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Shout Out Louds
Neues Label, neue Single, neues Album und jede Menge Live-Dates. Mit „Oh Oh“ feiert eine der großartigsten schwedischen Indie-Popbands aller Zeiten am 21. April (hierzulande) ihren Einstand bei Sony Music: Shout Out Louds. Es ist der erste neue Song der Band seit vier Jahren und stammt aus dem kommenden, fünften Shout Out Louds-Album, das noch 2017 erscheinen wird. Mit dem neuen Material kehren die Stockholmer zu ihren musikalischen Wurzeln zurück: warmer, melancholischer Indie-Pop/Rock.

„‘Oh Oh‘ war eine Art Trigger für dieses Album“, erklärt die Band. „Als der Song fertig war, spürten wir, dass wir uns auf die Energie und das Gefühl fokussieren konnten und sollten. Wir wollten zu unseren Wurzeln zurückkehren, zu unserem Zusammenhalt und unserer Art von Handwerk. Wir erinnerten uns daran, dass wir eine Band sind, die sich gegenseitig mag und sehr gern zusammen spielt. Der Rest ist uns ziemlich unwichtig.“

Das bislang letzte Album der Band, „Optica” erschien 2013 und konnte sich – wie bereits der Vorgänger „Work“ 2010 – in den Offiziellen Deutschen Albumcharts platzieren. Die Bandpause nutzten die Musiker u.a. zur Familiengründung und für die Verwirklichung diverser Solo- und Nebenprojekte. Sänger Adam Olenius veröffentlichte einen Solo-EP, Keyboarderin/Sängerin Bebban Stenborg ein Album mit ihrer Band Astropol und Bassist Ted Malmros nahm Musik mit seinem Duo A Nighthawk auf. Irgendwann kam dann allerdings der Zeitpunkt, die Shout Out Louds erneut zu kickstarten.

Der Großteil des neuen Albums wurde in einem kleinen Kellerstudio in Stockholm mit Produzent Fredrik Swahn aufgenommen. Er ist Mitglied der Band The Amazing und arbeitete jüngst mit der französischen Künstlerin Melody‘s Echo Chamber. „Die Arbeit mit Fredrik gab uns großartige Energie und machte uns als Band besser“, so die Shout Out Louds. „Er brachte es sogar fertig, dass wir jetzt bessere Freunde sind als vorher, keine Ahnung, wie das überhaupt noch möglich war. Wir hatten großen Spaß und kehrten gleichzeitig zu dem Kern unseres Schaffens zurück. In ‚Oh Oh‘ geht darum, dieses Gefühl zu erhalten: nie deinen Traum aus den Augen zu verlieren.“

Nach der Beendigung der Album-Aufnahmen stehen für die Shout Out Louds einige Festivalauftritte auf dem Programm – im Oktober folgt dann eine komplette Deutschlandtour.
Shantel & Bucovina Club Orkestar: Shantology - 30 Years Of Club Guerilla
Shantel hat seine einzigartige Karriere in den 80ern gestartet. 80er? Da war doch was? Diese Musik, die gerne auf Themenpartys verhandelt wird... Nein, ganz anders! Die 80er sind hier die Chiffre für das, was alles zu diesem Zeitpunkt möglich war. Punk hatte den Mief des immer inhaltsleereren Glamrock und seine Stereotypen weggefegt und die Köpfe freigemacht. In den frühen 80ern hielt diese frische Brise noch an, bevor es mit dem kommerziellen Ausverkauf der DIY-Ideale sich wieder schloss, der Pop synthetisch wurde und die MTV-Culture übernahm. Einer, der das Spiel schon damals nicht mitmachen wollte, war ebenjener Shantel. Aktiv im Untergrund des Bauchnabels Deutschlands, Frankfurt am Main, betrieb er dort im heute ultra-hippen Bahnhofsviertel einen illegalen Underground-Club, in dem musikalisch alles möglich war und heftig experimentiert wurde. Hier traf sich eine international bunt gemischte Szene aus Kunststudenten, Bohemiens, Langzeitakademikern, jungen Musikern, Immigranten, Schwulen und Lesben und gestrandete Freaks aus aller Herren Länder. Im 3. Stock eines Gründerzeithauses gelegen, zog der Club mit seinem eklektische Ansatz Massen von ebenso abenteuerlustigen Nachtschwärmern und Clubgängern an wie das Licht die Motten. Der Andrang war so groß, dass die Schlange der Wartenden oft bis zum nächsten Häuserblock reichte. Und das, obwohl das Bahnhofsviertel auf Platz eins der deutschen Kriminalitätsstatistik lag. Shantels Devise war: „Vorwärts in alle Richtungen, lasst uns experimentieren und demonstrieren.“ Eine Demo gab es in der Demo- Hauptstadt Deutschlands jeden Samstag. Sounds des Widerstandes und der Vielfalt schallten aus den Lautsprecherwagen: Roots-, Dub-Reggae und Arab-Pop.

Dub-Reggae, ein Musikstil, der Shantel sehr beeinflussen sollte, brasilianische Musik, Oriental- und Arab-Pop ebenso. Aber wollen wir hier Stil-Erbsen zählen? Wichtig ist doch viel mehr das, was sich für Shantel aus der Rezeption verschiedenster musikalischer Genres ergab. Er realisierte, dass wann immer ein neuer Stil seine Nase zeigte, er früher oder später statisch wurde und damit langweilig. Man nehme nur das Beispiel Techno – kaum einer weiß heute, dass Frankfurt am Main die Geburtsstube dessen deutscher Ausformung war. Aber auch Techno war nur bedingt Shantels Ding. Also selber machen, was Neues anfangen, wieder und wieder und wieder. Ab 1986 sahen wir Shantel mit einem griechisch-türkischen Underground-Projekt auf der Bühne. Sie spielten für die griechisch-türkischen Communities in ganz Deutschland den damals schwer angesagten griechischen Outlaw-Blues Rembetiko, und Shantel lieferte die Beats dazu. In seinem Bahnhofsviertel-Club Lissania Essay drehte Shantel die Turntables und mixte Rhythmen sowie Soundfetzen aus dem Sampler dazu. Nordafrika, Brasilien, Jamaika, Elektrobeats, Trip Hop und Jazz in the mix. Ein Song, eine Struktur, ein Rhythmus erreichte die Tanzenden so intensiv, dass ihre Arme hochgingen und die Kehlen Glücksgeheul ausstießen – das war der Ansporn, diesen Moment zu verlängern und das Spaceship Lissania zum Abheben zu bringen. Und bis heute ist es nicht gelandet, denn bis zum heutigen Tag gibt es nicht ein Konzert, nicht eine DJ-Session, die nicht von dem Gefühl befeuert waren, alles zu geben, mit dem Publikum zu verschmelzen und Glückseligkeit in die Gesichter zu zaubern. Kaum einer versteht den Dancefloor besser und findet intuitiv immer die richtige Antwort als Shantel – egal ob mit seinem Bucovina Club Orkestar oder ganz alleine als DJ.

Das Lissania und später der Bucovina Club waren einige der sehr raren Gelegenheiten, bei denen sich unterschiedliche Szenen und Altersgruppen trafen. Sie verband eines: Sie waren neugierig und bereit, sich unerhörten Klängen hinzugeben. Und Shantel war es wichtig, neue Ideen, Verrücktes, Unbekanntes via Musik in diese verkrustete Stadt zu tragen: Ideen, Visionen, die ganz woanders herkamen - Paris, Thessaloniki, Tel Aviv, Istanbul. Kurz gesagt Shantel und die Szene, die sich um ihn formierte, war kosmopolitisch und am Austausch interessiert. Er war als einer der deutschen Pioniere des sogenannten Freestyle-Clubbing bald weltweit gefragt, spielte an der Seite von MC Solaar, Kruder & Dorfmeister, Gilles Peterson, Massive Attack, Björk und Howie B. Doch war ihm das genug? Er stellte irgendwann fest, dass auch diese Szene dabei war, sich zu verkrusten bzw. leerzulaufen. Auf einer K7-Labelnacht im New Yorker Limelight Club ließ er frenetische Blechmusik südosteuropäischer Hochzeiten aus den Boxen knallen, was auf dem Tanzboden zu Verwirrung führte. Shantel wäre nicht Shantel, wenn er nicht versucht hätte, diese Situation zu retten und - die Platte noch einmal von vorne zu spielen. Langsam sahen die Partygänger ein, dass sie keine andere Kost serviert bekämen und ließen sich treiben. Schlussendlich: Stampede auf der Tanzfläche.

Shantel entschied sich, auf eine große Reise in seine eigene Familiengeschichte zu gehen, die ihn in die Bucovina, Grenzland zwischen Ukraine und Rumänien brachte. Dort fand er die Musik, die tief in seiner eigenen DNA schlummerte und begann mit ihr zu experimentieren, ging mit den Großen des Genre ins Studio, um seine Vision von einem zeitgenössischen paneuropäischen Sound zu kreieren. Das Schauspiel Frankfurt gab diesem neuen Sound, der sich wie ein Lauffeuer um die ganze Welt verbreitete, eine Bühne. Dass gerade Frankfurt den perfekten Spielboden für seinen Bucovina Club abgab, ist sicher kein Wunder, denn der Hotspot am Main war und ist seit vielen Jahrzehnten die multinationale Metropole der Republik. Interkulturelles Leben und Arbeiten ist hier mit allen Brüchen, Verwerfungen und Schwierigkeiten längst zum prägenden Aspekt des Alltags geworden. Aber auch hier und jetzt bleibt Shantel nicht stehen und räumt mit dem großen Missverständnis auf, er sei der „König des Balkan- Pop“ und er wolle es gar sein, was er in einem Interview mit der BBC anlässlich der Verleihung des BBC-Worldmusic-Awards klarstellte: „Ich habe mit dieser Balkanmusik und diesem Hype eigentlich nichts am Hut. Mir ging es um meine Selbstverwirklichung als Musiker, als Künstler. Deshalb interessieren mich viele Sounds, nicht nur der des Balkans.“

Mit diesem kreativen Ansatz ist Shantel das hörbare Gesicht eines anderen Deutschlands, ist er doch der erste, der der hiesigen Popkultur einen kosmopolitischen Sound einimpfte. Bei ihm ist Migration hör- und tanzbar. Musikalische Preziosen aus Südosteuropa, dem nahen Osten oder vom Mittelmeer erscheinen in einem neuen, vielschichtigen Kontext, damit wird auch die Kultur, aus der sie entstammen, intuitiv erfahrbar. Seine Methode ist kulturelles Mixing und Sampling: Dinge aus dem Zusammenhang reißen und in einen neuen überführen. Clubkultur als Konzept, das sich permanent weiterentwickelt und nicht als Museum, in dem das ewig Gleiche repetiert wird – wie in Berlin, wo tausende von Touristen vor dem Berghain warten, um das Vorhersehbare erleben zu dürfen.

Nun schlägt Shantel mit 30 Jahre Club Guerilla ein neues Kapitel seiner never ending Tour unter dem Motto „Shantology // 30 Years of Club Guerilla“ auf. Zum Fest (06.10.2017) erscheint eine aufwändige 4-LP-, 2-CD-Box mit opulentem Begleitbuch mit Texten und Bildern, die Shantels Weg nachzeichnen. Die Alben werden voll mit unveröffentlichtem, neu aufgenommenem und bestens abgehangenem Material sein, das eindrücklich die zeitlose Hit-Qualität seiner Musik herausarbeitet. Rückschau – eher nicht, rückblickende Vorausschau – schon eher. Der Disko Partizane liebt es spannend und bleibt für Überraschungen gut.
Damian Lynn
Es kann endlich losgehen! Ja, eigentlich ist es höchste Zeit, dass die Musik dieses jungen Mannes einem noch größeren Publikum zugänglich wird. Gestatten: Damian Lynn, 25 und Singer-Songwriter aus Luzern. Man könnte Damian zwar als Newcomer bezeichnen, er ist aber schon lange kein unbeschriebenes Blatt mehr. Über 250 Shows hat er alleine in den letzten beiden Jahren gespielt und sich so Schritt für Schritt die Aufmerksamkeit erspielt, die die Musik dieses jungen Künstlers verdient hat.

Live spielen, live spielen, live spielen (oder "slow but steady wins the race").
Die Liebe zur Musik und das Talent von Damian Lynn zeigten sich schon als kleiner Junge - mit gerade mal neun Jahren, als er an einem Abschlusskonzert erstmals als Solist vor einem größeren Publikum stand und dieses mit Songs von The Bangles und Mike & The Mechanics begeisterte. Nach Erfahrungen in verschiedenen Bands, nahm er seine Karriere selbst in die Hand. Damian Lynn begann seine eigenen Songs zu schreiben und einzusingen, stellte Clips von Live-Performances auf YouTube und ergatterte sich so erste Auftritte. Seine Fangemeinde hat sich der junge Luzerner auf seinen Konzerten Schritt für Schritt erspielt und sich so in der Szene langsam aber sicher einen Namen gemacht. Diese Ausdauer wurde dieses Jahr unter anderem mit einem Swiss Music Award als "Best Talent" belohnt. Neben vielen Einladungen von Schweizer Musikgrößen (Bligg, Büne Huber, Pegasus) auf deren Tourneen, wurde mit der Support-Tour von Stefanie Heinzmann ein weiterer wichtiger Schritt gemacht: Erstmals war Damian Lynn auch in Deutschland zu sehen. Die CD-Verkäufe bei den Shows als Support von Stefanie Heinzmann belegen: Damian Lynn gewinnt auch in Deutschland viele neue Fans dank seinen Live-Auftritten. 600 Alben hat er alleine an den 13 Daten quer durch Deutschland abgesetzt. Und dies wohlgemerkt in einer Zeit, in der die CD nicht mehr der Tonträger der ersten Stunde ist.
Gerade eben wiederholt er dies und tingelt als Vorgruppe von Laith Al Deen quer durch Deutschland: 17 Tourstops im Oktober 2016. Dabei darf er schon mal verkünden, dass er im April 2017 seine erste Headliner Tour durch Deutschland machen wird!
The Veils
"We're delighted as always to be returning to Germany, this time with a new album in tow. We can't wait to get out there and have them hear this new record live, it's an unruly beast indeed."
- Finn Andrews

Es existieren die unterschiedlichsten Arten, wie jemand sein Tagebuch schreibt. Die einen reduzieren sich auf das Festhalten von Daten und nüchternen Fakten, andere üben sich in virtuoser Prosa und sprachmächtigen Metaphern. Der in Neuseeland aufgewachsene Brite Finn Andrews, Sohn des ehemaligen XTC-Gitarristen Barry Andrews, nutzt hingegen seit gut einem Jahrzehnt die Songs seiner Band The Veils, um seine Eindrücke, Erlebnisse und kraftvollen Meinungen pointiert abzuarbeiten. Und ebenso, wie sich Auffassungen und Überzeugungen eines Menschen über die Jahre ändern können, so ändert sich auch die Musik von The Veils mit jedem neuen Album – mal mehr, mal weniger radikal, aber doch stets mit Vorsatz. Das einzige, was bei dieser im weiteren Sinne als Indie-Band zu bezeichnende Formation stets gleich bleibt, ist der hohe künstlerische Anspruch an jeden Song, die unbedingte Neugier auf Neues – sowie die höchst klugen Lyrics eines Frontmannes, der mit seinem intellektuellen Blick auf die Welt Texte von sinistrer Poesie schreibt.

Die Geschichte von The Veils begann 2001. Damals war Finn Andrews gerade einmal 18 Jahre alt, hatte aber bereits mehr als zwei Dutzend herausragende Songs geschrieben. Er lebte zu der Zeit in Auckland, schickte seine Demos aber vorzugsweise an Plattenfirmen in England. Geoff Travis, Chef der Indielabel-Legende Rough Trade, erkannte unmittelbar das Potenzial von Finn Andrews und nahm The Veils, damals ein Trio, unter Vertrag.

Nach der ersten Welttournee trennte sich Andrews von seinen bisherigen Mitmusikern, zog zurück nach Neuseeland, überdachte den noch recht Grunge-verhafteten Sound des Debüts grundsätzlich und suchte sich dazu eine neue Begleitband. Von nun an waren The Veils ein Quintett, das sich mit höchst eigenständiger Musik zwischen Indie, Pop und Artrock platzierte. Schon beim zweiten Album „Nux Vornica“, das 2006 erschien, urteilten viele Kritiker, dass The Veils auf dem besten Wege seien, die ebenso düster wie glanzvoll schillernder Grandezza von Nick Cave & The Bad Seeds in eine neue, junge Generation zu tragen. Die beiden im Anschluss erschienenen Alben „Sun Gangs“ (2009) und „Time Stays, We Go“ (2013) belegten, wie sehr sich eine Band, ohnehin mit einer starken eigenen Handschrift ausgestattet, von Album zu Album weiter entwickeln und neue Klangästhetiken absorbieren kann.

Dabei stand der größte stilistische Schritt erst noch bevor – er manifestiert sich nun in dem im vergangenen August erschienenen, fünften Album „Total Depravity“. Das über weite Strecken sehr dunkel gehaltene, auch textlich von vielen privaten und gesellschaftlichen Dämonen erzählende Werk fand seinen besonderen Klang durch das Zutun von drei höchst unterschiedlichen Produzenten. So schrieb Finn Andrews die Demos der neuen Songs in Begleitung von Adam „Atom“ Greenspan, einem Produzent für knackigen, analogen Indierock Marke Maximo Park oder Yeah Yeah Yeahs. Die tatsächlichen Aufnahmen betreute sodann der vielseitige US-Musiker El-P (Run The Jewels, Company Flow), sonst ein Fachmann für extrem speziellen, schleifend düsteren HipHop. Diese ungewöhnliche Kombination aus Andrews Songs und El-Ps Produktionen führte zu einem so noch nicht gehörten Klangkosmos.

Und ein dritter Mann hinter den Reglern leistete Beistand: Dean Hurley, der Studio-Engineer des Regisseurs David Lynch. Mit ihm nahmen The Veils ebenfalls einige Songs in Lynchs eigenem Tonstudio auf; als der Hollywood-Maestro die ersten fertigen Töne des Aufgenommenen vernahm, wurden ihm zwei Dinge sofort klar: Dass die Musik von The Veils nahezu unbedingt in die anstehenden Neuauflagen seines Serien-Klassikers „Twin Peaks“ gehört. Und dass Finn Andrews mit seiner etwas mystischen Aura nicht nur ein ausgezeichneter Frontmann ist, sondern ebenso gut vor der Kamera agiert und daher auch als charakterstarke Figur perfekt in diese Serie passt. Beides wird nun im Verlauf dieses Jahres tatsächlich passieren.
Dermot Kennedy
Wenn Dermot Kennedy seine Stimme erhebt und „Glory“ hinausschreit, bleibt kein Auge trocken. Das Stück von seiner EP „Doves & Ravens“ hat das Zeug ein Klassiker und der Durchbruch des Iren zu werden. Selten hört man eine so intensive und flehende Stimme zum Himmel schreien wie hier. Dieses Selbstvertrauen eines jungen Mannes ist wirklich außergewöhnlich. Das seelenvolle Organ ist das Markenzeichen des 20-Jährigen, der seit gut sieben Jahren Gitarre spielt. Ein wenig erinnert er vom Stil her an Jack Garratt, James Vincent McMorrow oder Bon Iver, wenn er zusammen mit seiner Band auf der Bühne steht.. Der Singer/Songwriter aus Dublin gehört unzweifelhaft zu den ganz großen Talenten des Genres. Zusammen mit dem Komponisten Charlie Hugall, der auch schon für Swim Deep und Florence + the Machine geschrieben hat, und dem Produzenten Stephen „Koz“ Kozmeniuk, der schon für Kendrick Lamar und DVSN gearbeitet hat, entwickelte er ein modernes Soundkonzept, das einerseits Kennedys hymnischen Stücke unterstützt und dessen Songwriting besser zum Ausdruck bringt, andererseits aber auch die klangliche Vielfalt verstärkt. Ganz natürlich sind die elektronischen Elemente, die poppigen Parts, ja sogar Rap-Einlagen in die eher klassisch geschriebenen Stück eingewoben und faszinieren den Hörer gerade durch diese Verbindungen. Damit hat Dermot Kennedy große Aufmerksamkeit erzielt. Jetzt ist der Ire bereit, die Welt zu erobern, mit „Glory“ und all den anderen Songs, mit Charisma und Gefühl. Im September gibt er bei einer exklusiven Show in Berlin schon mal seine Visitenkarte ab.